2025 年暑期档，中国电影以近 120 亿票房、三部豆瓣 8 分以上影片的成绩守住了 “基本盘”，但背后的隐忧却触目惊心：观影人次同比减少近 2 亿，平均上座率仅 6.9%，观众平均年龄从 2021 年的 27.7 岁升至 32.5 岁 —— 电影市场正在失去年轻观众，而行业却仍将 “成功” 归因于 “找到最大公约数”。这种依赖普适情绪、标签化内容的创作模式，看似能制造爆款，实则是竭泽而渔的短视之举，非但无法解决中国电影的深层危机，反而会将其推向更脆弱的境地。

一、“最大公约数” 的幻象：从票房狂欢到观众流失

“最大公约数” 被行业奉为圭臬，指代电影通过普适情感、包容价值观跨越年龄与圈层，吸引最广泛观众。但这一概念的盛行，恰恰掩盖了中国电影市场的核心矛盾 ——影院正在失去其作为 “日常娱乐场景” 的属性，而并非 “没有拍出足够好的电影”。

（一）曾经的繁荣：基础设施与用户习惯的双重红利

2010 年后，中国电影的爆发式增长依赖两大红利：一是城市化推动影院下沉，三四五线城市银幕数量十年增长超十倍，让 “看电影” 成为触手可及的消费；二是在线票务平台的 9.9 元票补，将观影决策成本降至冰点，成功培养了上一代观众的消费习惯。彼时的《煎饼侠》《夏洛特烦恼》等影片，虽质量参差不齐，但凭借贴近生活的内容与密集的路演宣传，精准对接了新增观众的需求，形成了 “影院嵌入生活” 的繁荣景象。

（二）当下的困境：年轻观众流失与替代品冲击

2020-2022 年的影院停摆，成为市场转折的关键 ——00 后群体形成独立消费习惯的黄金期，“去影院” 被物理性从生活中剥离。这代人成长于移动互联网时代，习惯了短视频的互动性、游戏的沉浸感、短剧的即时性，而影院 “正襟危坐、单向接收” 的 “课堂式” 体验与之格格不入。更重要的是，电影的核心功能已被全面替代：短视频提供即时娱乐，家用投影与 3A 游戏挑战 “视觉奇观”，短剧填补情感需求，影院的不可替代性持续减弱。

（三）“最大公约数” 的假象：守住基本盘而非开拓新市场

今年暑期档的 “成功”，本质上是 “用更优质的内容留住了存量观众”，而非吸引了增量。《南京照相馆》《浪浪山小妖怪》等影片的高口碑，仅能打动 32.5 岁以上的 “老观众”，却无法吸引习惯线上娱乐的年轻人。行业将其归因于 “找到最大公约数”，实则是混淆了 “存量维护” 与 “增量开拓” 的逻辑 —— 当观众平均年龄持续攀升，市场萎缩只是时间问题。

二、“最大公约数” 的弊端：情绪投机与生态失衡

为应对观众流失，行业将 “最大公约数” 异化为 “情绪标签化” 创作：通过捕捉社会焦虑、提炼网络热词，将电影打造成 “社交货币”，试图以话题度撬动票房。这种模式短期内能制造爆款，却埋下了三大隐患，加剧了行业的脆弱性。

（一）创作投机化：从 “表达” 到 “迎合” 的倒退

“最大公约数” 模式的核心是 “精准捕捉情绪”，而非 “真挚表达”。2023 年《消失的她》将 “恋爱脑”“PUA” 等热词与极端剧情结合，提炼出 “提防枕边人” 的情绪标签，成功引发全民讨论；《长安的荔枝》《年会不能停》则紧扣 “职场困境”，以 “牛马电影” 的定位收割中年观众的共鸣。但这种创作本质上是投机：一旦对情绪的判断出现偏差，便会引发反噬 ——《逆行人生》试图聚焦中年失业与外卖骑手，却因脱离现实的呈现方式遭遇口碑票房双扑，证明 “情绪迎合” 的风险极高。

（二）观众情感脱敏：竭泽而渔的短视行为

高浓度情绪输出的泛滥，正在加速观众的 “情感疲劳”。就像嗜辣者需要不断加辣才能获得刺激，当市场充斥着 “狠狠共情”“极端冲突” 的影片时，观众对情感冲击的阈值会持续升高，最终陷入 “麻木”。近年来，“情绪电影” 的票房爆发力逐渐减弱，正是脱敏效应的体现 —— 行业误以为 “情绪不够强烈”，实则是 “过度消耗导致信任流失”。

（三）生态失衡：头部垄断与中等成本影片消亡

“最大公约数” 模式倒逼资源向头部集中：资本、人才、排片都涌向试图 “通吃所有观众” 的超级大片，而中等成本影片、类型片、艺术片则被边缘化。影院如同 “只卖榴莲千层的超市”，忽略了观众的多元需求 —— 喜欢动作片的观众找不到优质作品，关注小众题材的观众无处消费，最终导致市场结构单一化。更严重的是，头部项目 “不能输” 的压力，迫使创作者选择最保守的 “安全牌”，避免创新尝试，进一步扼杀了行业的造血能力。

三、中国电影的真正危机：失去不可替代性与价值锚点

“最大公约数” 模式无法解决的深层问题，是电影失去了其独特的价值锚点 ——当电影在 “娱乐性”“情感性”“奇观性” 上均无不可替代性时，观众流失便成为必然。行业的核心矛盾并非 “没有找到普适情感”，而是 “没有重建影院的独特吸引力”。

（一）成本与回报的失衡：观影性价比持续降低

票补时代结束后，四五十元的票价成为常态，观众还需投入 2-3 小时不可分割的时间；而产出端却充满不确定性 —— 大量公式化、空洞化的影片消耗着观众信任。当 “付出确定成本，博取不确定回报” 成为常态，理性消费者自然会转向短视频、游戏等 “低成本、高确定” 的娱乐方式。

（二）本体价值的迷失：从 “光影艺术” 到 “话题工具” 的堕落

“最大公约数” 模式将电影的 “话题价值” 置于 “本体价值” 之上：故事逻辑让位于情绪冲突，人物塑造让位于金句传播，镜头语言让位于名场面制造。《封神 2》被吐槽 “特效不如《黑神话・悟空》”，本质上是电影放弃了对 “电影化表达” 的探索，转而在 “视觉奇观” 上与游戏硬拼，最终失去了自身的艺术属性。

（三）对 “差异化” 的忽视：误读对手的成功逻辑

行业误以为短视频、短剧的成功是 “满足了最大公约数”，实则恰恰相反 —— 这些领域的爆发在于 “精准满足细分需求”：短剧的 “老年人爽文”、游戏的 “硬核玩家向”、短视频的 “垂类兴趣”，均是抓住了电影未覆盖的小众市场。中国电影却反其道而行之，追求 “通吃所有人”，最终在 “差异化竞争” 中彻底掉队。

四、破局方向：放弃 “最大公约数”，重建独特价值与多元生态

中国电影的救赎，不在于更精准地捕捉 “最大公约数”，而在于放弃情绪投机，回归电影本质，重建影院的不可替代性与行业的多元生态。

（一）聚焦 “垂直深耕”，打造不可替代的影院体验

电影的核心优势在于 “沉浸式叙事” 与 “集体观影仪式感”，而非 “情绪共鸣”。《捕风捉影》的成功证明，扎扎实实拍好一部老派动作片，通过镜头语言、节奏把控营造沉浸感，同样能获得市场认可；《南京照相馆》对历史题材的微观叙事创新，展现了电影在 “深度表达” 上的独特价值。未来的创作应聚焦 “垂直领域”：或深耕类型片的艺术表达，或探索纪录片的影院化，或开发适合集体观看的互动电影，让 “去影院” 成为 “无法线上替代” 的体验。

（二）扶持中等成本影片，构建 “多元超市” 式生态

健康的电影市场应像超市一样，既有 “榴莲千层” 式的爆款大片，也有 “牛肉干”“蔬菜” 式的中等成本影片、艺术片、类型片。行业需建立对中等成本项目的扶持机制：通过专项基金、排片倾斜、分线发行等方式，为小众题材提供生存空间。例如，针对年轻观众开发青春类型片，针对家庭观众制作轻喜剧，针对文艺爱好者引入艺术电影，以 “多元供给” 吸引不同圈层的观众，而非寄希望于 “一部电影打动所有人”。

（三）链接年轻观众，重建 “影院与生活的关联”

要吸引 00 后等年轻群体，需打破 “影院 = 看电影” 的单一认知，将其打造为 “社交与文化空间”：例如，举办电影主题展映、导演见面会、影迷沙龙等活动，将影院与年轻人的 “社交需求” 绑定；开发 “电影 + 游戏”“电影 + 剧本杀” 的跨界体验，结合其兴趣点设计消费场景；推出 “学生专场”“深夜场” 等差异化排片，降低年轻观众的观影门槛。

（四）回归创作本质，剥离 “话题依赖”

电影的核心竞争力永远是 “好故事、好人物、好表达”，而非 “好话题”。创作者应摒弃 “情绪标签化” 思维，从 “迎合市场” 转向 “表达自我”—— 就像《浪浪山小妖怪》的成功，不仅在于 “职场共鸣”，更在于对小人物的细腻刻画与真诚关怀。只有当电影重新成为 “表达人性、探索世界” 的艺术载体，才能真正重建观众的信任。

五、总结

“最大公约数” 救不了中国电影，因为它解决的是 “如何用话题留住存量观众”，而非 “如何重建影院的不可替代性”。中国电影的危机，本质上是 “价值锚点的迷失”—— 当它放弃了艺术表达、多元生态与独特体验，转而在 “情绪投机”“话题制造” 的赛道上与短视频、短剧竞争时，便注定陷入被动。行业的真正救赎，在于放弃 “通吃所有人” 的幻想，回归 “垂直深耕、多元共生” 的逻辑，让电影重新成为 “无法被替代的光影艺术”，而非 “社交平台的话题素材”。只有这样，才能真正吸引年轻观众回流，让影院重新嵌入新一代人的生活，实现市场的可持续发展。